**Frédéric Auger, vous faites la conception sonore sur Dracula. Au moment de cette entrevue nous sommes à quelques semaines de la première. Diriez-vous que le travail est toujours en cours ?**

Frédéric Auger : Absolument, c’est sûr ! Jusqu’à la première, puis même au-delà, parfois. Dans mon travail, d’ordinaire, je suis plutôt du côté des écritures scéniques. Je suis souvent présent durant le spectacle. Je crée le son de façon organique et vivante, pour suivre la représentation et les comédiens. Parce que le propre des arts vivants, c’est justement que ça vit !

La donnée sonore de base dans mon métier, c’est la voix de l’acteur sur scène. Quand on fait du théâtre, c’est le niveau autour duquel je dois naviguer. Ici, il n’y a pas de musiciens sur scène, mais la conception est ajustée aux répliques pour s’arrimer avec l’action et l’évolution du récit. Je m’organise toujours pour mettre le plus possible de points d’ancrages dans le texte, pour que les modulations de la musique et de l’environnement sonore suivent se passe sur scène.

Comment êtes-vous entré dans le projet ? Qui vous a approché pour cette conception ?

Aviez-vous déjà une idée de l’ambiance sonore à l’époque ?

Et que proposez-vous comme environnement sonore ? Quelles textures va-t-on retrouver ? Avez-vous utilisé des inspirations d’autres œuvres connues ?

Frédéric Auger : Je travaille rarement à partir d’autres œuvres. À la lecture du texte et ensuite pendant les répétitions, j’ai une intuition de tempo, de type de timbre, de type de texture et après ça, je vais partir en recherche. Il y a toujours, dans mes conceptions, un mélange de sons organiques réels traités et de sons plus « musicaux ».

Ici, étant donné le sujet, il y a aussi des sons de synthèse qui sont encodés directement dans l’ordinateur, mais une bonne partie du matériel musical et sonore est interprétée et puis enregistrée à partir d’enregistrement de répétitions. Ça me permet de jouer comme si j’étais en direct. Je fais des passages successifs. Je me retrouve avec une dizaine de couches sonores superposées pour chaque bout d’environnement sonore.

Comme on est dans un univers technologique et de données, j’utilise aussi des instruments qui permettent d’enregistrer l’activité magnétique dans les objets électriques, des choses comme ça. C’est beaucoup de collage et de mixage. La pièce commence de façon assez réaliste. On est dans un centre d’achat, à une collecte de sang et rien ne laisse présager ce qui va se passer. J’ai fait le choix d’environnements sonores réalistes pour souligner encore plus le contraste après ça avec l’étrangeté.

Vous évitez donc d’être trop frontalement référentiel.

Frédéric Auger : Il y a un seul élément directement référentiel dans la pièce. C’est un petit cover de Résiste de France Gall. Un des personnage essayaie de devenir populaire sur les réseaux sociaux. J’ai écrit un petit 30 secondes de cover de France Gall, qu’on ne reconnaît qu’à travers la mélodie et le rythme. Mais c’est la seule chose qui est vraiment référentielle.

Qu’est-ce que vous appréciez particulièrement de la conception sonore pour le théâtre ?

Frédéric Auger : C’est tout ce qui mène à la représentation. Le moment où on rentre en salle jusqu’à la première. Et ensuite, la rencontre avec le public. C’est la matérialisation de ce son en temps réel.

Il y a quelque chose du travail d’orfèvrerie sonore. Trois décibels trop fort, puis ça ne veut plus dire la même chose. Trouver la juste zone où l’émotion va jaillir et permettre à la présence sonore de remplir son rôle. J’adore ça. Voir des gens qui sont scotchés à leur chaise puis qui sortent contents de leur soirée.

Dans la vie d’aujourd’hui, tout le monde est tellement dans des dispositifs personnels d’écoute. Au théâtre, on est tous ensemble. C’est un moment de communion. On dirait qu’ils n’existent plus beaucoup, ces moments-là. Des êtres humains sur scène qui parlent à des êtres humains dans la salle, créant une connexion d’intelligence et de créativité.

Pour vous, qu’est-ce qui définit une grande conception sonore ?

Frédéric Auger : C’est la justesse de la proposition. Je collabore souvent à des propositions maximalistes/minimalistes dans le sens où il peut y avoir du son mur à mur, mais c’est juste un petit son qui peut être très en-dessous. On finit par ne plus y penser, mais notre cerveau le sent et si on l’enlève, tout d’un coup, on est comme aspiré parce que cette chose-là a disparu. J’aime beaucoup cette zone là, diaphane. Parfois aussi, la meilleure conception sonore, c’est de faire le choix de ne rien faire, si ça ne sert pas la pièce !

Sur un projet, les répétitions se faisaient dans un espace mal insonorisé où on entendait la rumeur de la ville. Et il me semblait que cette rumeur était suffisante pour donner le relief sonore que le texte suggérait, sans rien ajouter de plus. Finalement, ce qu’on veut, c’est que l’histoire ressorte et que tous les éléments de langage soient au service de ce qui est dit dans le spectacle. On travaille tous ensemble, dans le même bateau.