Quel a été le déclic initial pour cette création collective interdisciplinaire ?

Annie Préfontaine : La genèse de l’idée m’est apparue en 2020, vers la fin de ma dernière année à l’École nationale de théâtre. Héloïse et moi étions dans la même classe, d’ailleurs. À la sortie de cette formation intensive, j’avais envie de reconnecter avec la musique qui fait partie intégrante de mon bagage familial. À l’École j’ai rencontré beaucoup d’artistes de théâtre qui sont aussi auteur·rice·s-compositeur·rice·s-interprètes ou qui ont des intérêts parallèles pour le théâtre musical. J’ai donc approché cinq collègues et ami·e·s aux styles musicaux différents des miens, pour leur lancer cette idée d’écrire un spectacle pour adolescent·e·s. Je souhaitais explorer la période de construction identitaire en rassemblant plusieurs identités distinctes et essayer de comprendre en quoi nos goûts musicaux sont révélateurs des personnes que nous sommes devenues. On a creusé du côté de la musicothérapie aussi et on a récolté des réponses tant neurologiques, biologiques que sociologiques. On s’est beaucoup intéressé au phénomène de la musique pop et à quel point, à l’adolescence, notre style vestimentaire et notre attitude sont dicté·e·s par nos idoles.

Parallèlement à tout ça, j’ai toujours aimé écrire. Avant, j’étais professeure d’art dramatique et j’écrivais beaucoup pour mes étudiant·e·s, afin qu’iels aient quelque chose à jouer qui leur ressemble, tout simplement. À cette époque, j’ai eu une idée que je n’ai jamais mise par écrit, mais qui m’est restée en tête : un élève du secondaire se présente lui-même à sa réunion de parents. Je trouvais cette prémisse très parlante au niveau de ce que cet enfant vit et de sa dynamique familiale.

Bref, c’est avec ces idées de base que Denzel, Aurélie Fortin, Cathy Fried, Jean L’Océan, David Noël et moi-même, on s’est mis à créer sans trop savoir exactement ce que ça allait donner. La réponse au niveau de la forme a fini par être toute simple : nos personnages sont dans un band et la pièce est construite comme un show de musique. On découvre peu à peu chacun de ces personnages-musicien·ne·s avec des anecdotes, des dialogues entre les chansons, parfois à l’intérieur même des paroles. Le tout s’est étendu sur deux ans et demi, dans une écriture plus collaborative que collective. Nos styles et affinités se sont vraiment bien complété·e·s.

De quelle façon les adolescent·e·s ont été intégré·e·s à la création ?

A.P : On a invité quatre jeunes de 13 à 16 ans, Marianne Beaudet, Maya Fiset, Maëva Gagné et Sam Gaudet, à écrire avec nous. C’était en plein pendant la pandémie où les élèves québécois·es n’avaient plus accès à leurs activités parascolaires, voire scolaires ; même leurs cours d’art dramatique étaient en visioconférence ! Leurs loisirs et leur expressivité artistique étaient donc très limités.

Préalablement, dans notre noyau de création, on avait commencé par creuser notre propre adolescence musicale. Qu’est-ce qu’on écoutait ? On avait une petite routine d’exploration où on écrivait à partir d’air ou de paroles d’une chanson amenée par quelqu’un d’autre.

Par exemple, j’ai composé une toune rap (ce que je ne fais jamais) à partir d’une vieille toune de Jay-Z que Denzel aimait au secondaire. Ma chanson n’a rien à voir avec celle de Jay-Z, mais en m’en inspirant, j’essayais de trouver des idées clés, de partir avec ces mots-là et de faire une nouvelle proposition. On a cumulé beaucoup de matière avec cette méthode et c’est là que les ados ont fait leur entrée dans le processus. On avait environ une quarantaine d’idées différentes, parfois juste théâtrales, parfois juste musicales, parfois un mélange des deux, avec ou sans personnages. C’était flou, mais on a fait un exercice que j’appellerais « vente de chars » ! On résumait chacune de ces idées en un seul argument, une seule phrase-choc, comme dans un pitch de vente. Par exemple : un enfant se rend lui-même à sa rencontre de parents, une fille veut signer un bail de colocation pour son casier. Des idées très précises qui cherchent à éveiller leurs intérêts. On a ensuite filtré ces prémisses en fonction de leurs goûts. Ça nous a permis de savoir quelles propositions étaient accrocheuses. Avec cette sélection, on a créé ou étoffé des personnages et on les a associés à des situations. On a aussi conçu un personnage à partir de zéro avec elles·eux : Zeliyh, le mystérieux nouvel élève qui débarque en plein milieu d’année à l’école et qui a finalement hérité de notre idée initiale de la rencontre de parents. Mais bref, ces 4 ados ont créé la pièce dont ils sont les héros, en quelque sorte, et nous ont énormément aidés.

Héloïse Desrochers : C’est en effet tout un défi, parce que le spectacle est monté par tableaux. C’est un univers particulier et il n’y a pas de classique début-milieu-fin. Il y a quand même un fil rouge, des intrigues qui se suivent, mais c’est surtout construit autour des chansons et de la thématique initiale de l’identité. Il faut toujours garder la cohérence globale en tête pour ne pas paraître morcelée. On a aussi exploré, à travers la mise en place, quels sont les codes qu’on se donne entre nous et qu’on donne au public. Si on est dans une chanson rock, un dialogue intime entre deux personnages ou dans un gros rap du DJ seul à sa console, les codes diffèrent énormément. Je trouve ça très intéressant pour un public adolescent d’avoir accès à plein de scènes contrastantes : des affaires hyper frontales, des monologues adressés au public, du gros déploiement de musique, d’éclairage et de fumée. Et, en même temps, ça résonne avec notre sujet : la quête identitaire de l’adolescence où l’on se cherche constamment à travers un éventail de styles. J’ai l’impression que la forme même du spectacle y fait écho. D’ailleurs, dès qu’on a mis le doigt sur le format, soit l’univers du show de musique live, mais au théâtre, c’est devenu tellement plus clair. Les codes sont ancrés dans notre imaginaire. Il y a des tests de son, le moment où on présente les musiciens, la personne à la console, un rappel, on vend de la merch à la porte. Ce ne sont pas du tout les mêmes codes que ceux du théâtre musical ou de la comédie musicale. Le terme « concert théâtral » l’exprime bien. C’est le concert d’un band de musique, mais à travers lequel on laisse une grande place à la théâtralité.

Comment as-tu navigué parmi les multiples fonctions et adresses des interprètes et comment avez-vous procédé pour établir la distribution ?

H.D : Déjà, dans le texte, il est défini que chaque personnage doit jouer d’un instrument de musique. C’était donc un prérequis pour les acteur·rice·s, mais on n’avait pas nécessairement fixé qui allait jouer quoi, sauf pour Estelle et Zeliyh qui doivent jouer respectivement de la basse et de la batterie. Donc certains personnages avaient des instruments attitrés, avec possibilité d’en ajouter bien sûr, et pour d’autres c’était plus flexible.
Par contre, il fallait que tou·te·s les interprètes puissent bien chanter. On les a passé·e·s en audition avec un extrait d’une chanson, un passage musical à l’instrument de leur choix et un extrait théâtral. Et on a eu une super belle grappe d’interprètes en audition, certain·e·s qui jouaient plusieurs instruments, avec beaucoup d’expérience.

En 2022, on a fait un laboratoire de deux semaines où on a surtout exploré les chansons. On connaissait les habiletés de chacun·e, mais là on creusait davantage pour voir comment les intégrer au spectacle. Dans cette pièce, la direction d’interprètes est un beau défi parce que des fois, iels sont acteur·rice·s et musicien·ne·s en même temps, et parfois iels sont musicien·ne·s en mineur et ne font pas nécessairement partie de la scène. Mais il faut toujours qu’iels gardent en tête que c’est leur personnage qui est là, qui appuie. On a beaucoup travaillé les chorégraphies, le mouvement, le travail de chœur, mais surtout les intentions des chansons et des morceaux. Iels savent quoi jouer, connaissent leurs notes, mais il faut interpréter, ressentir et faire ressentir tout ça. Je leur rappelle : « Ok là, ce n’est pas la chanteuse qui chante, c’est Cindy le personnage. C’est super, tu as réussi toutes tes notes parfaitement, là il faut que le personnage embarque. Quels sont les mots que tu prononces ? Pourquoi ? Ne déplace pas tes accents toniques, il faut comprendre ce que tu dis. » Je veux qu’au-delà des belles mélodies, les chansons apportent un sens à la pièce.

A.P : On s’est posé la question très ouvertement avec Héloïse : est- ce qu’on engage des musicien·ne·s qui peuvent jouer au théâtre ou des acteur·rice·s qui peuvent jouer de la musique ? On a fait le choix conscient d’engager des comédien·ne·s de formation et on savait qu’on allait devoir s’adapter à leurs différentes habiletés musicales, mais aussi qu’on aurait la chance de naviguer entre leurs différentes nuances d’interprétation, théâtrale, instrumentale et chantée. L’instrument devient une extension de leurs personnages. Je suis fière des décisions qu’on a prises, parce qu’à la fin de ce labo exploratoire de deux semaines, il y avait déjà l’embryon d’un esprit de band. Je les regardais monter la scène, placer les chaises, les fils, interagir en tant que collègues, au-delà des personnages, et je me disais : la mayonnaise a pogné ! On est tombé sur le jackpot.

J’ai très hâte de transformer la salle Fred Barry en un local de band montréalais, de présenter ce show hétéroclite, ce chaos organisé. Aurélie Fortin, qui fait partie du noyau de création, dit que VACARMES est comme une courtepointe. J’aime beaucoup cette image. On voit bien les différents morceaux qui s’assemblent. On est vraiment dans ce côté artisanal, fait main, authentique et charmant !

À propos de l'auteur·e

Sophie Gemme est détentrice d’un certificat en création littéraire (2008) et d’un baccalauréat en études théâtrales (2011), tous deux réalisés à l’Université du Québec à Montréal, en plus d’être diplômée du programme d’écriture humoristique de l’École nationale de l’humour (2017). Elle travaille comme autrice, rédactrice, conseillère dramaturgique, formatrice, médiatrice et travailleuse culturelle. Elle effectue des mandats variés pour différentes compagnies de théâtre partout au Québec (Prospero, TDP, Théâtre À tour de rôle, CTD’A, PÀP, Orange Noyée, Petit Théâtre du Vieux Noranda, FTA, etc.) et crée des textes mettant de l’avant un humour sensible et des dialogues méticuleux. En 2014, le public la découvre avec sa pièce Quintette pour cordes sensibles, jouée au Centre Segal des arts de la scène. En 2021-2022, elle cosigne le texte et l’assistance à la mise en scène de BLUFF, spectacle en téléprésence de Mireille Camier, joué dans trois salles en simultané. À l’été 2023, elle présente sa dernière pièce Les Ratés – Rhapsodie gaspésienne, une création théâtrale, musicale et humoristique, au Théâtre À tour de rôle, à Carleton-sur-Mer.