Comment aborde-t-on cette pièce emblématique du théâtre de l’absurde et le travail d’adaptation du texte que tu as fait ?

En ayant la liberté d’en faire une relecture, j’ai eu envie que les jeunes puissent s’identifier davantage. J’ai rajeuni les personnages, simplement pour qu’on sente que la jeunesse est aussi guettée par ces systèmes totalitaires qui tranquillement s’infiltrent dans notre quotidien sans qu’on s’en rende compte, prennent possession de nos vies de manière idéologique et s’installent pour de bon. Je souhaitais aussi apporter une perspective féministe au texte et laisser plus d’espace aux personnages féminins. Donc Daisy est plus présente, j’ai supprimé l’écart d’âge entre elle et Béranger et j’ai féminisé certains personnages. J’ai aussi installé une dynamique amoureuse entre Dudard, maintenant jouée par une femme, et Daisy. Bref, il y a un angle franchement plus contemporain.

J’ai également assoupli la langue pour qu’elle soit un peu plus accessible, surtout pour les jeunes. On n’est pas en France, mais on n’est pas non plus à Sorel ! On est quelque part entre les deux ! Finalement, avec l’aide de Marie-Claude St-Laurent à la dramaturgie, on a condensé la fable. On a fait passer le texte original de plus de deux heures à une pièce de 1h20. J’avais besoin d’aller droit au but. C’est sûr que le style et la forme nous donnent énormément de liberté puisqu’on n’est pas dans l’hyper réalisme. La force de Ionesco réside dans l’absurdité de la situation, mais ultimement, on va s’accoutumer à l’étrangeté, à cette idée qu’il y a propagation d’une rhinocérite et que des humains se transforment en rhinocéros. Au début c’est drôle, mais quand on se rend compte que ce n’est plus un cas isolé et que ça touche toute la collectivité, c’est terrifiant. C’est là que le théâtre de peur advient. On n’est pas très loin de la métamorphose de Kafka.

Justement, comment la présence ou l’évocation des rhinocéros se matérialisent-elles sur scène ?

Marie-Ève Milot : De plusieurs façons. Il n’y aura pas de réels barrissements, mais ils seront interprétés par des instruments à vent. J’aime beaucoup ce rapport à la respiration. Pour moi, il y a quelque chose de très organique et de performatif dans le fait que ce soit le souffle humain qui crée la musique. Avec Antoine Berthiaume, on a engagé le quatuor de saxophones Quasar. L’idée, c’est de partir de quelque chose d’assez électro-jazz et plus ça va, plus ces instruments à vent incarnent la présence animalière et deviennent, eux aussi, terrifiants. On navigue entre familiarité, banalité et horreur.

On a aussi engagé un coach de screaming, Sébastien Croteau, qui a entraîné les interprètes, particulièrement Renaud Lacelle-Bourdon, qui joue Jean et qui se transforme en direct. Avec Sébastien, on a exploré différentes manières de crier, de barrir, comment les inspirations et expirations peuvent être utilisées, avec des techniques vocales très précises.

Sinon, Cynthia Saint-Gelais, aux costumes, a fait une recherche sur le tissu articulé en velours de soie ; un matériel à l’intérieur duquel il y a des sortes d’écailles qui vont bouger et épouser la forme du corps, en simulant l’idée d’une deuxième peau. Donc, on se rapproche vraiment d’un cuir animal et on voit la peau humaine changer de texture, prendre la lumière différemment. Dans les costumes, on retrouve aussi un rapport au temps. Dans la pièce on ne sait pas exactement combien de temps s’écoule. Certains personnages reviennent à la fin et ils ont les mêmes vêtements qu’au début, mais dans une version très usée, très poussiéreuse. On peut comprendre que c’est devenu très difficile de se procurer des vêtements dans ce monde apocalyptique.

Finalement, dans l’environnement, avec l’éclairage, on utilise la fumée qui est parfaite pour créer l’illusion d’un air vicié ou d’un soulèvement de poussière dû aux passages des rhinocéros. Mais surtout, Étienne Boucher fait de la lumière une matière oppressante.

La pièce pose, entre autres, la question du conformisme, du totalitarisme et de la résistance. Pourquoi Rhinocéros résonne autant en 2025 et à quels niveaux ?

Marie-Ève Milot : La pièce est une métaphore des grands piétinements dans le monde et on assiste actuellement à tellement de grands piétinements. Mais je ne souhaitais pas camper Rhinocéros dans une seule perspective ou la traduire par un unique symbole actuel. J’avais envie qu’on puisse avoir des lectures différentes. Même s’il y a quelque chose de plus contemporain dans l’adaptation, je ne voulais pas qu’on reconnaisse précisément Trump ou Netanyahou, par exemple. C’est sûr qu’on va penser à eux et à plein de figures terrifiantes de notre époque. La pièce parle aussi d’impuissance, des dangers de l’accoutumance. En ce moment, avec tout ce qui se passe à Gaza, en Ukraine et ailleurs, on arrive à vivre nos vies alors qu’on assiste en direct à des génocides.

Je remercie Claude Poissant pour sa confiance et l’ensemble de son œuvre. Avec ce spectacle, je souhaite lui rendre hommage.