Gabriel, quand as-tu eu le déclic ou l’impulsion de créer une pièce de théâtre à partir de ton histoire ? À quel moment as-tu compris que ça pouvait faire œuvre utile que d’en parler ?

Gabriel Morin : Après avoir écrit ma première pièce, Petits crimes contre l’humanité, il y a eu un espace vide en pleine pandémie. J’étais prêt pour le prochain défi et je me suis dit : si je n’écris pas cette pièce-là, qui va l’écrire ? Je suis comédien, auteur, mon frère s’est enlevé la vie, je porte cette histoire en moi depuis longtemps et j’ai un point de vue singulier sur cet enjeu-là. Je ne suis ni psychologue ni intervenant, mais je peux agir pour la cause à travers les arts. Peut-être que de raconter simplement ma tristesse et mon deuil peut servir à d’autres et aider à prévenir. Donc tout part de la motivation d’agir pour que le décès de mon frère ne soit pas vain, pour redonner du sens à ma perte et être dans l’action. Mais j’étais loin de m’imaginer l’ampleur du côté « œuvre utile » justement. On a reçu tellement de témoignages de gens endeuillés (ou non) chez qui ça a fortement résonné et qui se sentaient plus outillés après avoir vu le spectacle. L’approche plus sensible que statistique ouvre grand la porte au dialogue. Les jeunes sont particulièrement touchants dans leur compréhension. Ils sont beaucoup plus profonds et allumés qu’on pourrait le penser. C’est essentiel de leur donner cet espace pour s’exprimer sur leur santé mentale.

David, comment as-tu pris ta place comme créateur dans l’histoire de ton ami ?

David Strasbourg : Gabriel et moi, on s’est connus justement sur Petits crimes contre l’humanité, dont je faisais la mise en scène. À travers la création, Gab a senti une confiance et m’a demandé de lire des extraits de son nouveau texte qui parlait de son frère. Au début, je n’étais pas sûr, dans le sens qu’il y a eu beaucoup d’auto-fictions au théâtre dans les dernières années. Bien que ce soit rare qu’on aborde le suicide au théâtre de façon frontale, je voulais être certain qu’on apporte quelque chose de nouveau. C’est au fil des lectures qu’on a choisi un angle qui enlevait tout pathos et mélodrame et qu’on a abordé l’histoire avec les forces de Gabriel, soit son expérience et son talent d’improvisateur, son charisme humoristique et sa forte présence en seul-en-scène. « Ok, là on a quelque chose ! » Traiter d’un sujet aussi important et sombre dans un monologue autobiographique qui mélange théâtre, stand-up comique et conférence ; pour moi, il y avait une grande valeur artistique là-dedans.

Sinon, c’est sûr que la question du deuil d’un grand frère me touche énormément. Le mien est décédé d’un cancer quand j’étais jeune. C’est très différent, mais ça reste le deuil d’une fratrie. Je crois donc que j’avais la sensibilité requise pour mettre en scène cette histoire. L’ouverture au dialogue me rejoint beaucoup comme artiste aussi. Il y a un moment dans le spectacle qui m’émeut chaque fois, quand Gab fait la confession qu’il a eu, lui aussi, des pensées suicidaires et qu’il rappelle que ça arrive à tellement de monde, qu’on n’est pas seul et surtout qu’on n’est pas QUE ça. Pour moi, c’est la clé de la pièce. Parce que souvent les personnes suicidaires sont envahies par leur état, ça prend tellement de place dans leur cœur et leur tête qu’ils oublient le reste de leur personnalité et se résignent à être suicidaires toute leur vie. Chaque soir, quand on demande aux spectateur·rice·s s’ils et elles ont déjà eu des idées ou fait une tentative de suicide, les mains se lèvent dans la pénombre avec un tel respect. Personne ne regarde autour, mais tout le monde est ensemble là-dedans, comme un effet d’entraînement sécuritaire. Ce côté « œuvre utile » donne beaucoup de sens à mon travail.

Comment avez-vous navigué entre facteur de prévention et possible effet de contagion ?

Gabriel Morin : En fait, suite au décès de mon frère, mes parents ont fait appel à des intervenants du Centre de prévention du suicide de Québec qui sont venus nous donner des clés pour comprendre ce qui s’était passé. J’avais donc en tête quelques petites notions de base, mais c’est quand j’ai commencé l’écriture que j’en ai parlé à un membre de ma famille qui travaille en prévention du suicide et qui m’a demandé si j’avais fait attention à l’effet de contagion. Je m’efforçais déjà de ne pas tomber dans le misérabilisme et le sensationnalisme, mais au-delà de ça, il y a la façon dont on traite le sujet et les mots qu’on utilise. C’était primordial pour nous de créer une pièce sécuritaire sur les impacts d’un suicide. Tant qu’à avoir 100 personnes dans la salle qui écoutent mon histoire, pourquoi ne pas en profiter pour intégrer les bonnes informations, nommer les ressources, casser quelques préjugés ? Joindre l’utile à l’agréable finalement.

Je suis donc allé m’informer sur le site de l’Association québécoise de prévention du suicide (AQPS). On les a approchés pour une collaboration et ils ont tout de suite embarqué dans le projet. C’est en se renseignant qu’on a compris que de parler de suicide pouvait fragiliser certaines personnes et que ça prenait un·e intervenant·e formé·e sur place, à chaque représentation, pour rassurer le public. Des fois, la simple présence d’une ressource vient enlever une pression, comme un filet de sécurité. On n’est pas seul et désarmé face à une possible surcharge émotionnelle.

C’est l’AQPS qui nous aide à avoir les ressources en tournée à travers le Québec. Ils nous mettent en contact avec les intervenant·e·s des différentes régions visitées. Ce chevauchement entre l’artistique et le milieu social de l’intervention est vraiment un gros avantage. Une pièce sur le suicide peut faire peur à certaines écoles ou milieux de travail, mais l’AQPS est là pour rassurer, fournir plus d’informations et dire : on a lu le texte et c’est vraiment une bonne façon d’aborder la prévention du suicide, c’est un super outil. Ça peut permettre aux gens de se rassembler et de vivre des émotions cathartiques dans un contexte sécuritaire. Et ça prend des citoyen·ne·s qui font des projets pour libérer cette parole-là, parce que les centres de prévention ne peuvent pas faire tout ce travail eux-mêmes. Ce qu’on ne savait pas forcément au départ c’est que oui, il faut faire attention à comment on parle du suicide, mais il faut en parler, c’est primordial.

Justement, quels sont les principaux défis ou moteurs artistiques avec une matière comme celle-ci ?

David Strasbourg : On vient d’en parler, la dernière chose qu’on veut, c’est fragiliser des gens. Donc tout faire pour créer un espace de dialogue sécuritaire, c’est l’un des moteurs/défis principaux. Mais je ne voulais pas qu’on cherche à émouvoir le public par la tragédie en mettant trop d’emphase sur le drame. Au contraire, on veut toucher par l’humour et le cheminement du personnage en évitant de tomber dans le fatum et la « facilité » de la non-fiction. Un autre défi était la question du lieu.

Ce personnage de l’acteur, il existe où ? On voulait quand même créer le malaise du complexe funéraire au début avec l’orgue, les fleurs et tout, mais je ne voulais pas rester au premier degré ou encore dans un espace vide. Comme metteur en scène, je travaille toujours étroitement avec les concepteur·rice·s. Ici c’est Olivia Pia Audet qui est arrivée à un certain moment avec l’idée du petit resto de quartier et du mini bar. Placer le personnage dans le souvenir ou plutôt dans une rêverie en lien avec son frère (chose que l’on comprend à la fin de la pièce) apporte une couche supplémentaire à l’œuvre, tout en évitant le piège du non-lieu.

Gabriel Morin : De mon côté, assez tôt dans l’écriture, j’ai senti le besoin de briser le quatrième mur à plusieurs moments. Dès le début, les gens entrent dans la salle et je les accueille comme si on était à des funérailles d’où le « merci d’être venus ». Puis je les interpelle à quelques reprises dans le spectacle. C’est comme une façon pour moi de prendre soin du public et lui dire : je sais que le sujet est dark et que c’est tendu, mais ça va être correct, on est au théâtre, en sécurité. J’avais l’impression que je devais briser le quatrième mur pour évacuer cette tension, garder les gens dans l’écoute et la présence.

On oscille entre les registres aussi. On tombe parfois dans des scènes plus émotives, poétiques, évocatrices. On prend une pause dans le rire et l’humour. Et quand on revient dans le vécu et le sentiment, on y rentre toujours plus profondément. Comme se baigner en eau froide. On avance, recule un peu, fait un pas de plus et à un certain moment, on est habitué à la température de l’eau. J’ai cherché à créer une connivence, un sentiment de proximité avec le public. « Je vous vois, je vous entends, on est ensemble là-dedans ».

Comment ta vision de la transmission et du futur s’est transformée à travers le processus créatif ?

Gabriel Morin : J’ai vraiment la sensation que pour moi et ma vision de l’avenir, il y a un avant et un après Merci d’être venus. Pendant longtemps, je me posais la question : est-ce que je fais des enfants ? J’avais peur du côté génétique et héréditaire. Mon frère n’est pas le seul suicide dans ma famille, donc est-ce que mon enfant va « pogner » l’espèce de malédiction familiale ?

À la fin de la pièce, je parle de mon rapport à la parentalité, de mon désir d’avoir MES enfants et non pas les enfants que mon frère n’a pas eus. La compréhension de cette chose qui a transformé la finale s’est faite à l’été 2023, alors qu’on était sur le point de jouer à l’automne. Les mots ne sont même pas venus de moi, mais d’une personne dans l’équipe qui a aussi perdu quelqu’un par suicide. Elle a dit : « des fois, j’ai l’impression de jouer le rôle de l’enfant qui réussit et qui va bien. » Ça a créé un déclic chez moi. Je ne me rendais pas compte que je vivais une pression du survivant. Comme si mon identité et celle de mon frère avaient fusionnées quand il est parti.

Une famille, c’est un peu comme la distribution d’une pièce de théâtre. On a tous nos étiquettes, nos dynamiques. Si on enlève un personnage, son texte et son énergie doivent se retrouver quelque part, sinon la pièce ne fonctionne plus. En perdant mon frère, je ne vivais plus seulement ma vie, mais la sienne aussi. Aujourd’hui, je suis libéré de ce poids-là. Je suis le père de mon fils, parce que moi, Gabriel, je voulais avoir un enfant et non pas parce que je cherchais à combler des attentes ou à vivre deux vies. Au fil de la création, il y a un grand travail thérapeutique qui s’est fait en filigrane. Le fait de m’exprimer m’a permis de mieux me comprendre à des niveaux insoupçonnés.