Quand cette idée d’adaptation de Candide a-t-elle émergé et pourquoi l’œuvre résonne-t-elle toujours aujourd’hui ?

Hugo Bélanger : C’est un projet que je chéris depuis longtemps, mais qui a mis du temps à se concrétiser parce que j’avais une idée très précise de l’adaptation du texte. En 2021, je suis allé faire une mise en scène pour les finissant·e·s de l’option théâtre du Collège Lionel Groulx qui ont suivi la majorité de leur formation pendant la pandémie, donc beaucoup de Zoom, de solos ou de duos. Je trouvais important de leur offrir un show de gang parce que le théâtre c’est une affaire de troupe. J’ai tout de suite pensé à Candide, même si le travail du texte était colossal. Je l’ai amorcé pour le fun et ça s’est pratiquement écrit tout seul ! Ce fut la première étape de création et par la suite, j’ai poussé encore plus loin l’adaptation et la réflexion.

On dit souvent que les classiques sont encore actuels et c’est tellement vrai dans le cas de ce conte philosophique de Voltaire, écrit au siècle des Lumières, 30 ans avant la Révolution française. Un moment charnière où le peuple commençait à se révolter, à se poser des questions sur le « je », le « nous » et à prendre conscience du monde qui l’entourait. Est-ce que j’ai mon mot à dire ? Est-ce que j’ai droit au bonheur ? Est-ce que Dieu existe ? Si oui, pourquoi laisse-t-il arriver de telles horreurs ? Et surtout, que faire devant ces atrocités ? Et ça, c’est une question particulièrement d’actualité. Même aujourd’hui devant les guerres, l’autoritarisme, les changements climatiques, est-ce qu’il faut fermer les yeux et faire comme si ça n’existait pas ? Ou au contraire, y faire face et chercher la lumière ?

Candide s’est fait dire toute sa vie par Pangloss, entre autres, que tout était pour le mieux dans le meilleur des mondes. Au fil de la pièce, il va assister aux pires horreurs, mais malgré tout, il garde un certain optimisme, trouve une parcelle de lumière et une façon positive de continuer à avancer. J’ai voulu amplifier la note d’espoir à la fin parce que le roman finit de façon un peu abrupte avec « il faut cultiver notre jardin » et je ne voulais pas que les jeunes dans la salle se disent : « c’est don ben déprimant tout ça ! » Il y a plein de théories sur le sens de cette phrase dont une qui est « travaillons sans réfléchir », mais c’est un peu plate ! Je préfère : « occupons-nous de notre coin du monde, de notre entourage. Faisons quelque chose où l’on se sent utile. Si chacun ajoute sa petite goutte, peut-être qu’on a une chance d’arriver à quelque chose. Les révolutions se font ainsi, alors continuons à rêver et à espérer. » Je trouve qu’avec tout ce qui se passe présentement, ça résonne fortement.

Quels sont les défis de transposer un récit aussi foisonnant sur scène, avec les codes du théâtre ou, à l’inverse, quelles libertés cela permet-il ?

Quand je fais une adaptation, je ne veux pas seulement transposer un roman sur scène, sinon il vaut mieux lire le roman ! Être totalement fidèle à une œuvre dans un autre médium, c’est toujours une erreur. On dit souvent que traduire, c’est réécrire pour retrouver l’essence. J’adapte un peu dans le même esprit. Je cherche toujours à utiliser la force du médium pour transmettre les questionnements de l’œuvre. D’où l’intérêt, ici, d’un chœur qui interprète tous les autres personnages (presque 50) et qui critique et remet en question le spectacle de l’intérieur. J’ai aussi voulu jouer avec les titres originaux des chapitres du roman qui annoncent ce qui va se passer. Les personnages les clament et commentent leur propre histoire en soulignant le côté ridicule et absurde. On vend des punchs ! « Comment Candide tua telle personne. » ou « Comment Candide se sépara de Cunégonde. » Certains chapitres ont un peu mal vieilli aussi, donc le chœur conteste et refuse de jouer certains passages. « On saute ceux-là parce qu’ils sont plates ! »

Comment avez-vous mis en relief l’humour, l’absurde et le cynisme que l’on ne perçoit pas toujours de prime abord dans l’œuvre de Voltaire ?

Dès le début du roman on peut lire : « Monsieur le baron était un des plus puissants seigneurs de la Westphalie, car son château avait une porte et des fenêtres. » Cette phrase-là donne le ton : on ne sera pas dans une histoire sérieuse. Clairement, il y a de l’ironie chez Voltaire. Il dépeint les pires horreurs, mais se moque de la bêtise humaine et surtout, des puissants.

Lorsque les jeunes lisent Candide à l’école, ils passent souvent à côté du deuxième degré. Peut-être parce que les atrocités énoncées l’emportent sur la subtilité de l’humour. Peut-être aussi qu’on est à une époque où le deuxième degré est de plus en plus difficile à saisir. Il faut prendre le temps de lire. Ce sont des blagues. Un auteur sérieux ne laisserait pas mourir un personnage, le ramener à la vie, le retuer et le faire revenir trois fois. C’est voulu !

Mais oui, on a fait ressortir ce côté bouffon, cet humour noir très grinçant. Comme si Candide était un personnage de Molière parachuté dans Ubu roi, d’Alfred Jarry. Chaque personnage raconte son histoire d’une façon théâtrale différente et c’est souvent, assez drôle. Cunégonde raconte la sienne à la sauce commedia dell’arte ou vaudeville, c’est très « ciel mon mari ! ». La vieille raconte en théâtre d’ombre sur le bateau. Certains personnages ont des petites marionnettes ou des « humanettes ». Pour le frère de Cunégonde, on est dans la comédie musicale, avec des refrains ultra joyeux. On a vraiment multiplié les codes, les références et les styles, ce qui donne un résultat très dynamique.

Quand cette idée d’adaptation de Candide a-t-elle émergé et pourquoi l’œuvre résonne-t-elle toujours aujourd’hui ?

Quels sont les défis de transposer un récit aussi foisonnant sur scène, avec les codes du théâtre ou, à l’inverse, quelles libertés cela permet-il ?

Comment avez-vous mis en relief l’humour, l’absurde et le cynisme que l’on ne perçoit pas toujours de prime abord dans l’œuvre de Voltaire ?

Justement, quelles autres inspirations ont influencé votre création ?