Comment as-tu illustré la trame narrative, les classes sociales et l’évolution des personnages à travers les costumes ?

Jessica Poirier-Chang : Dès le départ avec Hugo Bélanger, on a déterminé qu’on voulait faire une sorte de trompe-œil. Quand le spectacle commence, le public pense qu’il va voir un beau petit Molière propret, et plus ça avance, plus on comprend que ce n’est pas du tout ça ! On est dans le bouffon, presque dans Ubu Roi, il y a un numéro de comédie musicale, ça fait un peu cabaret. Il y a donc beaucoup d’évolution et de transformations dans les costumes des personnages.

Au début, on ressent un petit côté « conte de fée » qui évoque l’innocence, surtout pour Candide. Il est tellement pur que, même si c’est un jeune homme, je l’ai vraiment abordé comme un enfant qui vit dans sa propre bulle. Il est tout en bleu pâle avec beaucoup de froufrous et de tulles. Puis, au fil des péripéties qui surviennent, des couches de son costume s’enlèvent, les manches se retroussent et il se retrouve avec un look paysan. Gabriel, le comédien, ne sort jamais de scène, donc tous ses habits se métamorphosent, même son pantalon avec des cordes et des bretelles. Il devient peu à peu jardinier, homme du peuple, en lien avec la citation populaire du livre : « il faut cultiver notre jardin ». On peut constater son cheminement et sa maturité à travers son costume.

Pour Cunégonde, sa bien-aimée, au début on parle tellement de sa beauté envoûtante que je voulais qu’elle soit littéralement l’incarnation d’un jardin ! On a ajouté beaucoup de fleurs, toutes faites à la main, sur sa robe. Quand on la retrouve à la fin, elle a été violée, torturée, battue et on n’arrête pas de dire à quel point elle est devenue laide. Je souhaitais faire ressentir ce qu’elle a subi par sa robe. Donc, si au début elle symbolise l’été ou le printemps, à la fin elle représente l’automne. J’ai dit à Mélanie Turcotte qui a fait la patine : « je veux sentir que la robe a été carrément brûlée, qu’il y a des cendres. » On a aussi fait plein de petites fleurs en tissu, mais cette fois dans des teintes de rouille, mauve foncé, brun. Sa « laideur » passe vraiment par la transformation de son costume.

Quelques personnages portent des lunettes et c’est très intentionnel. Dans ce cas-ci c’était pour souligner qu’ils ne voient pas clair ou ne portent pas attention à la souffrance du peuple. Ce jeu de perspectives est important parce que c’est une pièce qui parle de notre façon de voir le monde. J’ai coupé le regard de Pangloss, le philosophe optimiste du château pour qui tout est toujours pour le mieux dans le meilleur des mondes, avec de grosses lunettes roses. Martin, son opposé, a un look plus grunge ou punk et sa perruque foncée cache partiellement ses yeux pour illustrer que sa vision est floue aussi.

Justement, quelles sont tes inspirations, artistiques ou autres, pour ce spectacle ou dans ta pratique en général ?

A priori, ma formation est en Beaux-Arts. Donc pour chaque conception, je reviens toujours aux peintres de l’époque, aux toiles des grands maîtres. Je trouve que c’est là qu’on voit vraiment la palette, les textures, les matières, les proportions. Le costume de Candide au début est inspiré du Pierrot d’Antoine Watteau. Pour Cunégonde, j’ai puisé dans une œuvre de Jean-Honoré Fragonard, Les Hasards heureux de l’Escarpolette, connue aussi sous le nom de « La balançoire ». C’est donc une femme sur une balançoire en mouvement avec une robe rose très vaporeuse et un grand chapeau.

Je parlais de l’innocence chez les nobles au début, alors je me suis inspirée des boîtes musicales que l’on remonte, avec des figurines en porcelaine qui tournent sur elles-mêmes.

Pour la Reine des Bulgares, Hugo voulait l’aborder comme une influenceuse sur YouTube, alors j’ai emprunté au style de Chappell Roan, une jeune pop star actuelle aux cheveux roux qui fait fureur.

Sinon dans ma pratique en général, je fais surtout des conceptions d’époque, mais je ne suis pas rigide et fidèle à 100%. C’est l’hybride que je préfère : sentir tout de suite qu’on est au XVIII^e siècle et rappeler l’époque, mais en explorant, modernisant et « théâtralisant » le tout.

Les comédien·ne·s jouent plusieurs personnages et sont presque toujours en scène. Quels sont les défis pour une conceptrice ?

En effet, c’est un gros show ! À part Candide, chaque comédien·ne a entre 8 et 16 costumes différents. C’est pour ça que je suis très méticuleuse dans ma planification en amont. Je prends beaucoup de temps pour faire des croquis très clairs et précis, parce que je trouve important de donner le plus d’informations possibles au metteur en scène, aux ateliers de confection et à l’équipe. Sinon, on peut facilement se perdre. La maquette est un outil de travail primordial pour moi. J’établis méthodiquement l’évolution du premier look au dernier et ce qu’on peut récupérer de l’un à l’autre, parce qu’on travaille évidemment avec un certain budget. On ne peut pas faire de la confection de A à Z pour chaque costume, alors je dois être économe et inventive dans mes choix. C’est un beau petit casse-tête ! Où met-on le plus d’emphase ? Où peut-on utiliser la même chemise ?

Et Pascale Bassani, c’est un nom qu’il faut retenir ; une assistante/chef d’atelier extraordinaire ! C’est littéralement la colonne vertébrale de toute la confection. Bref, si les costumes sont réussis, c’est grâce à l’expertise, le cœur et le dévouement de ces gens-là et ça me donne les larmes aux yeux quand j’y pense. C’est là où mon métier prend tout son sens : être en atelier avec du bon monde.