Table des matières

1. RÉSUMÉ DE LA PIÈCE

« Un amour impossible, ça fait des bonnes histoires, mais dans la vraie vie c’est de la merde. »

La mouette nous propose d’observer un microcosme de société pour déceler ce qui s’y joue réellement entre les individus : tensions générationnelles, triangle amoureux, désir naissant, freiné ou rabroué. Macha est amoureuse de Kostia, jeune écrivain et fils d’Arkadina, actrice célèbre qui se moque cruellement de lui, sans reconnaître son talent. Mais Kostia est amoureux fou de Nina, une jeune comédienne à qui il offre sa première pièce, un manifeste pour un théâtre nouveau. Or, Nina s’est amourachée de Trigorine, un homme de lettres renommé, amant d’Arkadina.

Ce monument d’Anton Tchekhov traite de l’importance de l’art et de la création, de la volonté des jeunes artistes de s’affirmer, des pulsions de vie et de mort, de l’insoutenable légèreté et lourdeur de l’être. À travers leurs jeux, spectacles et dîners, ses personnages aspirent à l’amour et à la reconnaissance. Des humains complexes et émouvants, inéluctablement seuls, ensemble.

Entourée d’une distribution cinq étoiles, la metteuse en scène Catherine Vidal s’attaque à ce classique dans une adaptation québécoise inédite de l’auteur Guillaume Corbeil. Sa mise en scène voyage entre réalisme et symbolisme, brouille les frontières du quatrième mur et se focalise sur l’humain et ses relations ambigües comme matière première théâtrale. Vidal pose par ailleurs un geste de transmission remarquable : elle laisse la jeune metteuse en scène Sophie El-Assaad orchestrer une scène phare de La mouette, la pièce de théâtre de Kostia jouée par Nina dans l’acte 1. Un symbole fort de son engagement envers la nouvelle génération d’artistes.

2. PISTES ET CONTEXTE

Un grand classique et son adaptation

« Il n’y a pas besoin de sujet. La vie ne connaît pas de sujet, dans la vie tout est mélangé, le profond et l’insignifiant, le sublime et le ridicule. » – Anton Tchekhov

La mouette est l’une des pièces les plus connues et les plus jouées de Tchekhov ; c’est d’ailleurs celle qui le consacre comme grand dramaturge. Il la résume de cette façon : « une comédie avec trois rôles de femmes et six rôles d’hommes. Quatre actes, un paysage (vue sur un lac), beaucoup de discours sur la littérature, peu d’action, cinq tonnes d’amour ». La pièce, d’une radicale nouveauté dans son écriture, met en place un langage théâtral inédit. D’abord très mal reçue lors de sa première présentation, elle remporte ensuite un grand succès en 1898 à sa mise en scène par Stanislavski au Théâtre d’art de Moscou, dont elle devient l’emblème.

Ce théâtre « proclame et démontre le rôle décisif de la mise en scène, vise à donner sur scène l’illusion de la vie [et] exige du comédien une discipline nouvelle¹. » La pièce aborde les thèmes du rôle de l’art, des relations intergénérationnelles, de l’amour, mais aussi de la liberté d’être soi-même, et ce, malgré les conventions sociales.

Dans le balado du Théâtre français du CNA², la metteuse en scène Catherine Vidal souligne la difficulté de prendre une pièce de répertoire pour la lire de façon contemporaine sans la dénaturer et sans appliquer une recette contemporaniste toute faite. Elle cherche à ne pas présenter l’œuvre de manière froide, conceptuelle, intellectuelle ou parodique, mais plutôt d’en maintenir l’humanité, les nuances et les multiples couches de sens tout en s’éloignant de la facture naturaliste et guindée trop souvent accolée aux Grands Classiques. L’adaptation qu’en a fait Guillaume Corbeil va dans le même sens, visant à réactiver la parole du dramaturge russe et à dialoguer avec lui tout en se moulant au langage naturel des interprètes. Il mentionne dans le même épisode de balado que la grande littérature a tendance à être traduite dans une langue élevée, pour souligner sa grandeur. Toutefois, l’univers de La mouette appelle plutôt pour lui une parole simple, « populaire dans la langue, complexe dans la pensée ».

¹ Hélène Henri, « La Mouette, Anton Tchekhov », Universalis

² Balado du Théâtre français du CNA

Le rôle de l’art et de l’artiste

« On a besoin de formes nouvelles. Sinon, on est aussi bien de juste… crisser le feu. » – Kostia

Au cœur de La mouette se trouvent des idées divergentes sur le rôle de l’art ainsi que des personnages aux positions parfois opposées quant à sa pratique. S’y côtoient notamment Trigorine, poète populaire et célébré qui ne croit pas en son réel talent, et Kostia, d’abord convaincu de sa vision artistique révolutionnaire qui ne rencontre pourtant pas l’approbation populaire. Les personnages incarnent des discours qui se confrontent et coexistent dans le discours public, mais aussi dans la pensée de Tchekhov : « Qu’ils soient les doubles de l’écrivain ou fonctionnent en miroirs inversés (Nina – Arkadina : les deux actrices / Kostia – Trigorine : les deux écrivains / Macha – Dorn : celle qui à 22 ans dit «je porte le deuil de ma vie» alors que Dorn, le médecin retraité, dira «[Vieux comme ça et se plaindre que la vie est trop courte, il faut vraiment manquer de lucidité.]»), chaque personnage raconte quelque chose de la vision de l’écrivain sur le monde, le théâtre, les idées³».

S’ouvrant sur une pièce avant-gardiste créée par Kostia pour ses ami·e·s, La mouette parle bien sûr du renouvellement de l’art théâtral et des reproches que l’on peut faire à sa tradition. Au début de la pièce, Guillaume Corbeil fait même dire à Kostia : « Évidemment, ils font du Tchekhov, un vieil auteur mort. Un classique ! Tellement de la marde. Catherine Vidal ? Guillaume Corbeil ? Toutte l’establishment du théâtre, le petit milieu tellement minable… ». Les propos sont toutefois nuancés par les regards croisés d’autres personnages et par la courbe narrative de Kostia.

Au-delà de l’art pour l’art, les questions du véritable talent et de la reconnaissance populaire sont abordées, faisant écho aux insécurités personnelles de Tchekhov. Le personnage de Trigorine, convaincu de sa propre médiocrité malgré l’admiration du public, incarne notamment cette dualité.

³ Chloé Marguerite, « La mouette ou la mise en scène de ceux qui ont voulu être mais ont échoué », Le mag du ciné

Générations

Dorn : « Ah, les jeunes… »
Macha : « Quand on a plus rien à dire, on dit : Ah, les jeunes… »

Les relations intergénérationnelles, qu’elles soient familiales ou artistiques, sont le nœud de La mouette.

Les dix personnages de la pièce se trouvent de chaque côté d’une rupture générationnelle. La confrontation la plus directe est bien sûr celle entre Kostia, jeune dramaturge, et sa mère Arkadina, actrice d’expérience. Se croisent les attentes frustrées inhérentes aux liens de filiation avec une perception différente de ce que devrait être l’art théâtral. La vision de renouvellement du fils rappelle à sa mère son sentiment de péremption.

La metteuse en scène parle dans le balado du Centre national des Arts de cette difficulté qu’elle ressent elle même, n’étant plus « de la relève », de savoir comment accompagner les plus jeunes sans les forcer à prendre un chemin désigné. La question qui se pose est en fait : comment faciliter l’entrée des prochaines générations tout en les laissant se définir elles-mêmes ? Vidal a par ailleurs confié la mise en scène de la pièce de Kostia, évoquée à la section précédente, à Sophie El-Assaad, une artiste émergente, dans un geste de passation.

3. MOT DE LA METTEUSE EN SCÈNE

Mani Soleymanlou, directeur artistique du Théâtre français du CNA à Ottawa m’a offert d’être artiste en résidence durant deux ans et pour la conclure, j’ai dû réfléchir et proposer une mise en scène d’un texte. On m’offre en quelque sorte du temps précieux de recherche et je me suis dit que c’était peut être le moment idéal, avec l’expérience acquise de ma pratique de mise en scène, d’enfin oser monter une pièce d’Anton Tchekhov.

La mouette parle du théâtre, de l’importance de l’art et de la création, de la guerre des anciens et des nouveaux, du désir naissant, freiné ou assouvi, des pulsions de vie et de mort, de l’insoutenable légèreté et lourdeur de l’être…

L’énorme défi que je perçois des textes de Tchekhov est de ne pas rendre leur lecture univoque. Il nous propose d’observer un microcosme de société pour que l’on puisse nous-même diagnostiquer ce qui s’y trame, ce qui se joue véritablement entre les individus. Il ne juge, ne victimise, ni n’en condamne aucun. Le beau et le laid se retrouvent en chacun·e. « L’artiste ne doit pas être le juge de ses personnages et de ce qu’ils disent, mais seulement le témoin impartial. », écrit-il. Les contradictions et les paradoxes font la complexité des portraits qui fondent tous les textes de Tchekhov et c’est ce qui les rendent émouvants. La direction des acteur·trices sera au premier plan : leur parcours émotif et leurs relations avec les autres devront être pleins et précis.

Du point de vue formel, j’ai toujours à coeur d’écrire scéniquement avec les outils d’aujourd’hui. Il est entendu que je change l’écrin naturaliste dans lequel on voit très souvent la dramaturgie tchekhovienne et utilise un autre dispositif scénique qui fait résonner différemment ce texte. D’ailleurs, j’ai été très étonnée d’apprendre que Tchekhov n’était pas nécessairement d’accord avec la façon dont Stanislavski montait ses pièces. Trop de meubles, trop d’accessoires, disaitil.

À la fin de sa vie, lui qui admirait beaucoup Maeterlinck (!), avait un projet de pièce beaucoup plus symboliste qu’il n’a pas eu le temps d’écrire et dont les personnages se retrouvaient perdus dans les glaces du pôle Nord. Des personnages sur une banquise. Exit le mobilier… Ce voyage entre le réalisme et le symbolisme m’intéresse beaucoup pour La mouette : débuter avec le réalisme (ne pas confondre avec naturalisme) puis, après la présentation de la performance symboliste de Kostia à la fin de l’acte 1, ce réalisme se voit « contaminé » à petites doses par l’esthétique de cette performance. Le symbolisme culmine pendant la scène du jeu de loto et les retrouvailles avec Nina à l’acte 4 pour disparaître brusquement au coup de revolver, c’est-à-dire au moment où Kostia se suicide.

L’autre élément fondamental que je perçois des textes de Tchekhov est la question du lien. Dans sa vie même, l’auteur n’était pas souvent seul. Sa maison de campagne accueillait toujours des invité·e·s. Cet esprit grégaire est dans toutes ses pièces avec comme point de tension la solitude incontournable des êtres. Il serait intéressant d’orchestrer cet état chez le·a spectateur·trice en lui faisant vivre l’expérience dans son propre rôle : l’entrée du public sera une sorte de prologue. On le fera entrer dans l’été en plein mois de mars. Il fait chaud, la lumière est vive, on peut aller sur scène se procurer de la barbe à papa et du pop-corn, les interprètes sont là parmi le public. Lorsqu’arrive l’heure de la représentation, il prend place, on glisse vers le texte de Tchekhov avec la première réplique, mais le quatrième mur reste encore ouvert, les personnages peuvent parfois regarder et s’adresser à l’auditoire. Le quatrième mur va doucement et lentement se refermer au dernier acte, le public redevient voyeur. Le quatrième mur se rouvrira brusquement au suicide de Kostia à l’acte 4 parce que ce sont toujours les événements extraordinaires qui nous rassemblent. Les humains ont ce réflexe de sortir de leur solitude et de vouloir être présents à l’autre, de soutenir celui ou celle qui vit une catastrophe. On peut observer que la manière de raconter ne cherche pas à faire oublier que l’on est au théâtre. J’y vois une possibilité scénique fertile pour la dramaturgie de Tchekhov qui parle du bien commun et de la solitude inéluctable des êtres humains.

– Catherine Vidal

→ Écouter l’épisode de balado créé par le Théâtre français du CNA dans le cadre de
la création.

4. L’AUTEUR

Anton Tchekhov est un écrivain et dramaturge russe ayant vécu de 1860 à 1904. Tout en exerçant sa profession de médecin, il publie plus de 600 œuvres littéraires entre 1880 et 1903, dont de nombreux contes, nouvelles et récits. Ses pièces, dont La mouette, Platonov, La Cerisaie et Oncle Vania, font de lui l’un des auteurs les plus connus de la littérature russe.

Il est notamment reconnu pour sa façon de décrire la vie dans la province russe à la fin du XIX^e siècle ainsi que pour sa nouvelle approche dramatique. Les textes de Tchekhov mettent en scène des personnages dans une humanité nue qui continue de résonner à travers les époques. Sans jamais tomber dans la dichotomie entre le bien et le mal ni utiliser de situation hors de l’ordinaire, les dialogues d’apparence simple transmettent en sous-texte toute la complexité et la cruauté de l’existence humaine.