Comment la conception musicale et les chansons se sont inscrites dans l’œuvre globale ?

Au tout début, il y a 6 ou 7 ans, Hilaire m’a d’abord envoyé le monologue d’ouverture en me demandant si je voulais composer la musique. J’ai adoré et je l’ai rappelé tout de suite en disant : « OK, je comprends exactement ce que tu veux ! » Graduellement, Hilaire m’a envoyé d’autres textes. Certains étaient vraiment écrits comme des chansons que je n’ai pas eu besoin de retoucher. Pour d’autres, comme les morceaux de rap, j’ai presque dû repartir de zéro en gardant l’idée.

On se relançait beaucoup. Je cernais ce qu’il voulait raconter dans telle ou telle chanson et lui proposais quelque chose. Des fois, Hilaire réécrivait un couplet. On s’est éloignés des alexandrins pour les chansons parce que ça s’y prêtait moins. On craignait que ça sonne toujours un peu pareil, avec le même rythme.

Pour les premières étapes de création, comme la lecture au Théâtre Outremont, j’avais composé quelques chansons que je chantais avec ma guitare acoustique. C’était un peu brouillon, mais ça donnait un bon aperçu de ce que ça allait éventuellement devenir.

En général, je fais de la musique assez festive avec des cuivres et des chœurs. Je crois qu’Hilaire était venu à mon lancement d’album et qu’il avait aimé le style. J’étais très touché qu’il m’approche parce que je suis autodidacte, je n’ai pas de formation musicale. Je suis capable de lire des partitions, mais ça me prend du temps et je ne compose pas de manière traditionnelle.

Aujourd’hui, j’ai un peu changé ma façon de travailler, mais à l’époque, donc à la création d’Agamemnon in the Ring (AITR), ma méthode était de chanter ce que j’entends aux gens avec qui je travaille. Je chante toutes les harmonies et les différents instruments. Je fais du beatbox pour montrer au batteur ce que j’ai en tête, par exemple. Mes maquettes sont donc remplies de plein de voix! C’est vraiment le fun à écouter, mais ensuite il faut que j’explique ce qui est quoi.

D’où est venue l’idée de l’opéra-rock ou de la comédie musicale ?

Mais dans une vraie comédie musicale, il y a des chansons qui font avancer l’histoire et où les personnages ressentent le besoin de s’exprimer. Dans notre cas, elles servent à mettre l’emphase sur ce qui vient d’être dit et à avoir du gros fun ! Donc j’ai créé des musicalités accrocheuses et des vers d’oreille pour accentuer ce côté-là et faire tripper le public.

Au fil des années, on embrasse de plus en plus le côté épique et grandiose. Parfois, on s’amuse à imaginer ce que serait notre spectacle sur Broadway. Est-ce que la scène se sépare et un bateau arrive au milieu de 40 danseur·se·s ? On fabule, mais on sait que le succès d’AITR vient de son côté « scotch tape » et imparfait. Notre maquillage coule, on est sales, le ring n’est pas un vrai ring de lutte et il s’est déjà cassé en pleine représentation ! Je pense que c’est le côté débrouillard et bric-à-brac qui a suscité l’engouement à la base. Les gens viennent voir une gang de théâtre motivée qui a réussi à faire beaucoup avec peu. On a créé un show de Broadway en carton finalement et ça a joué en notre faveur.

**Il y a l’album d’Agamemnon in the Ring qui a aussi une vie parallèle. Peux-tu nous parler du processus ?**

À l’époque, faute de financement, on parlait d’enregistrer les chansons avec un clavier MIDI, mais j’ai dit : « Non, c’est mon premier gros show de théâtre, je vais payer la musique de ma poche s’il le faut et les chansons m’appartiendront après ». J’ai donc approché des musiciens avec qui je travaille régulièrement et qui étaient habitués de m’entendre chanter sur des maquettes.

J’ai aussi collaboré avec Greg Beaudin des Dead Obies et Frédérike Bédard, une actrice à la voix incroyable. Pour les chœurs, j’ai fait venir en studio quatre ou cinq interprètes du spectacle qui avaient un bon background en chant. L’album, qui compte 18 morceaux aujourd’hui, est un mélange de ce qu’on a enregistré il y a plusieurs années et des chansons qu’on a ajoutées il y a deux ans, quand on a eu la confirmation du Quat’Sous.

Avec nos subventions, on a décidé de faire des nouvelles pièces pour toutes les entrées de personnages. Chacun a donc sa chanson et sa couleur. Ce lutteur veut entrer sur du Metallica, celui-ci sur du Céline Dion ! Qu’est-ce que tout ça donnerait pendant la Grèce antique ? Je suis très fier des nouveaux morceaux. On voit vraiment l’évolution de l’univers qui est maintenant super clair.

Sinon, pour la scène, j’ai aussi fait la direction musicale des interprètes et c’était probablement mon plus gros défi. J’adore composer, mais pour diriger il faut vraiment connaître la musique en profondeur afin de savoir précisément quel interprète peut chanter dans quel registre. Mais j’ai été super honnête avec tout le monde et j’ai demandé de l’aide. « Ceux et celles qui savent bien chanter, levez la main. Si vous entendez une harmonie et êtes capables de l’assumer, allez-y ! »

On n’a pas nécessairement fait auditionner des chanteur·se·s. Je pense notamment à Frédéric Lavallée qui joue Agamemnon et qui d’emblée nous a dit : « Je ne suis pas un grand chanteur, mais je veux embarquer ». Au départ, on ne savait pas forcément ce qu’on faisait. On a tout construit en équipe, à tâtons !

Tu n’as pas que signé la musique, tu joues Achille, un rôle très physique et comique avec son registre de langue familier. Peux-tu nous parler du défi d’incarner un tel personnage dans une telle proposition artistique ?

Je savais que j’avais un rôle « bonbon » entre les mains, mais je savais aussi qu’il pouvait taper sur les nerfs du public ! J’entre en scène et je crie tout de suite des obscénités ! J’ai dû accepter de déplaire à certaines personnes en partant. C’est pas grave, c’est ma partition, les gens vont s’attacher au personnage au fil du spectacle.

Au tout début, je cherchais le ton et je penchais un peu trop vers l’idiot. Je me suis raccroché au fait qu’Achille est simplement un gars trop sensible qui n’arrive pas à se faire comprendre, ce qui l’enrage. C’était 100 fois plus intéressant à jouer.

Et le public ne le réalise pas nécessairement, mais même la langue d’Achille, qui est familière, rustre et un peu étrange, est totalement en alexandrins ! On s’est donné comme contrainte de ne jamais ajouter de pieds. On ne peut pas sortir de notre partition, c’est trop risqué de passer à côté des douze pieds ! Donc on a trouvé une façon d’improviser et de jouer dans un carré de sable bien précis.

D’ailleurs, ce qui a donné le goût à toute l’équipe d’embarquer dans l’aventure, c’est d’abord l’incroyable texte d’Hilaire. J’avais déjà vu des gens essayer de faire des alexandrins en québécois ou de briser le normatif, mais jamais je n’avais lu ou entendu quelque chose d’aussi fluide ! Quand j’ai reçu le texte, j’ai dit à Hilaire : « C’est exactement LE show que je veux voir au théâtre ou que j’aurais voulu écrire. Si personne n’en veut et qu’on n’arrive pas à le monter, c’est simple, je prends un break de théâtre ! »

Et ça m’a fait beaucoup de bien de gagner notre pari. Ça a ravivé le feu et l’espoir : il y a de la place pour une proposition aussi irrévérencieuse, vivante et en communion avec le public.