D’où te vient l’idée de mélanger lutte, tragédie grecque et opéra rock ?

Hilaire St-Laurent : C’est drôle parce que je ne regardais pas la lutte quand j’étais petit donc, au départ, je n’étais pas du tout fan! Et je n’étais pas vraiment amateur de tragédies grecques non plus, même si on en a jouées énormément à l’École nationale de théâtre. Je trouvais ça très poussiéreux et je ne comprenais pas pourquoi on parlait encore dans cette langue-là. En 2015, lors de notre dernière année de formation, on devait autofinancer un voyage en France et on a décidé d’organiser un gala de lutte puisqu’on faisait déjà un peu de combat scénique. L’idée était de le faire de façon très théâtrale et de créer une histoire. J’ai piloté le projet et j’ai eu une révélation pendant le processus : on retrouve exactement les mêmes codes dans la tragédie grecque qu’à la lutte et peut-être qu’on a un peu trop muséifié la tragédie. Au départ, elle avait sûrement des assises beaucoup plus populaires et un objectif plus performatif que le grand art un peu figé qu’on met sur un piédestal aujourd’hui. Ensuite est venu le désir de redonner ses lettres de noblesse au monde de la lutte. Parce qu’aujourd’hui, ça a la cote, mais ça a longtemps été considéré comme un sous-art un peu louche dans des sous-sols d’églises ! Mais il y a une grande théâtralité à la lutte et les histoires sont souvent très bien ficelées.

Qu’as-tu gardé de l’épopée de la guerre de Troie et des codes de la tragédie grecque, mais aussi du monde de la lutte ?

Hilaire : Lorsque j’ai commencé l’écriture en 2018, Agamemnon s’est imposé de lui-même. Je me suis inspiré de trois œuvres différentes que j’ai jumelées : l’Agamemnon d’Eschyle, où il meurt lorsqu’il revient de la guerre ; l’Iliade d’Homère qui dépeint la guerre de Troie ; puis Iphigénie de Racine, qu’on a beaucoup étudiée à l’école et qui représente le sacrifice de sa fille. Souvent dans la tragédie, on n’a qu’un aspect ou qu’une bribe d’histoire, mais je souhaitais une courbe dramaturgique plus complète avec un élément déclencheur, des péripéties, un point de bascule, un épilogue. Ces trois morceaux formaient donc une seule et même trame pour moi avec toutes les composantes d’une bonne histoire. Ce sont les pierres d’assise du projet.

Toute la pièce est écrite en alexandrins québécois. Peux-tu nous parler de ce terrain de jeu autour des registres de langue et de la versification ?

Hilaire : Ce n’était surtout pas pour faire pompeux ! Je voulais créer une langue avec une forme de musicalité. C’est sûr qu’en pigeant entre autres chez Racine, je me suis rendu compte que l’alexandrin peut devenir très performatif et très drôle. En cassant le ton avec des expressions québécoises, en mélangeant les registres de langue et en jouant avec les rimes, on peut faire plein de blagues. On peut faire rimer le Roi Priam avec chokeslam, par exemple ! C’est là que le carré de sable est apparu : 4 ans d’écriture en alexandrins ! Au début, en écrire deux ou trois me prenait quelques heures et à la fin, j’en ai écrit 82 dans la même journée. C’est vraiment un muscle. Tu parles en alexandrins, tu penses en alexandrins. Tu comprends les mécanismes.

Aussi, au fil de mes recherches, je suis tombé sur le spécialiste du grec ancien Emmanuel Lascoux qui a entre autres traduit l’Odyssée et l’Iliade et qui soutient que leur façon de le prononcer était probablement plus proche du slam ou du rap qu’on le pense. Les gens venaient entendre un texte rimé, rythmé et punché. Ça m’a beaucoup inspiré dans l’écriture. Et finalement, même si on est chez les Grecs, je voulais créer une œuvre avec des références québécoises et que ça parle d’ici, de notre société. D’où l’idée de faire des alexandrins en québécois.

Justement, peux-tu nous parler des liens que tu fais avec la réalité politique québécoise ?

Hilaire : On sait que le mythe de la guerre de Troie repose sur des faits historiques réels qui sont devenus, j’imagine, une grande blessure collective. J’ai donc cherché à savoir qui sont nos héros, nos moments de déchirement et nos dilemmes tragiques à nous ? Je trouvais important d’intégrer un pan de notre histoire en filigrane dans une comédie. De parler de qui on est et d’où l’on vient. C’est là qu’est apparue la Nuit des longs couteaux. Plutôt que de rapatrier Hélène, on va rapatrier la Constitution dans le but de renégocier avec Zeus et les cités rivales.

Dans la pièce, il y a donc cette idée de la petite ville qui essaie de tirer son épingle du jeu, mais qui se voit écrasée et trahie par un ensemble plus grand qui, finalement, ne la représente pas du tout. Dans la tragédie, il y a toujours un dilemme tragique, c’est-à-dire deux choix qui nous mènent inévitablement dans l’impasse. Je trouve qu’on a un peu cette posture-là au Québec. On n’a jamais été capable de prendre notre envol politique et dès qu’on a tendu la main à la fédération, on s’est fait trahir. Il y a aussi cette dualité manichéenne : les bons d’un côté et les méchants de l’autre. C’est propre à la lutte et aux tragédies, mais je trouve qu’on est un peu dans cette vision-là dans notre société présentement.

Les réactions du public sont essentielles au spectacle. Comment jouez-vous avec la foule ?

Hilaire : On les incite à même les alexandrins de l’ouverture pour établir ce rapport-là dès le départ et leur donner la permission de participer. On a trouvé le moyen d’interagir avec le public, de parler aux gens, malgré le fait qu’on soit dans un texte figé en alexandrins qui ne peut pas bouger !

Des fois, c’est simplement dans le non-verbal, dans les regards qu’on lance au public. Et les gens ne font pas que crier et huer ; on reçoit continuellement des répliques de la foule ! On se fait même surprendre parfois par des trucs qu’on n’a jamais entendus et ça nous fait rire.

C’est un peu galvaudé de dire que la représentation théâtrale est participative, mais dans notre cas, c’est difficile à battre ! On fait confiance à l’intelligence du public, il comprend les codes. Toutes les interactions sont les bienvenues, tant qu’elles sont respectueuses. Et le show est tellement irrévérencieux dans sa forme que même les jeunes n’ont pas envie de le défier et de dépasser les limites. On les encourage à crier et à participer donc ce n’est pas une révolte, ils sont inclus dans le show. C’est excessivement vivant !