Si lors d’un spectacle, celles et ceux dont nous prenons le plus conscience sont les interprètes sur scène, il y a toute une armée de conceptrices et de concepteurs derrière eux ! Dans le cadre du spectacle L’éveil du printemps, nous avons voulu nous entretenir avec l’une d’elles, Amélie Trépanier, scénographe.

LES IMPONDÉRABLES

Au tout début de la création, Olivier Arteau a déjà deux idées très claires dans la tête : il veut une pente, une GROSSE pente. Et il veut un spectacle dans le mouvement, que « (…) les artistes aient chaud, que le corps parle ! ». Le texte impose aussi plusieurs zones de jeux, dont la forêt, mais aussi des lieux plus protocolaires comme la radio étudiante, la salle de classe et l’appartement.

Amélie Trépanier : Avec ces pistes-là, moi je pars faire des esquisses et des maquettes en blanc. Le cadre est placé, et après, on joue dedans et on essaie de trouver le chemin pour se rendre à l’esthétisme, à quelque chose d’intéressant pour le public. Il y a une progression dans le travail et Olivier et moi restons toujours en contact.

Nous sommes d’abord partis de deux pentes, pour créer un effet d’entonnoir, un endroit vers lequel on se sent aspiré. Mais rapidement, on a réalisé que c’était contraignant dans l’espace qu’on avait, surtout au niveau des angles de vision. C’est beau d’avoir des envies, mais une fois concrètement dans la boite noire, dans l’espace, on réalise parfois que ça ne marche pas ! On a donc troqué les deux pentes pour une seule, mais plus grosse : il fallait que les cinq comédiens « ados » puissent y être côte à côte ! On est allés au skatepark et j’ai pris des mesures, des photos, des notes. Parce qu’il y avait une question de grandeur oui, mais aussi d’inclinaison ; il faut trouver le bon degré. S’il n’y en a pas assez, ça ne glisse pas, mais si c’est trop à pic, les comédiens ne peuvent pas monter !

Bref, avoir des idées en tête et sur papier est bien beau, mais encore faut-il qu’elles soient réalisables tant dans l’espace, qu’en lien avec les autres éléments du spectacle et le travail des autres concepteurs et membres de l’équipe. Ainsi, la pente unique, mais plus grosse, une fois repensée, devait d’abord être en angle et occuper l’espace en diagonale. Or, après lecture du texte, elle sera plutôt centrée « Les changements de scènes étaient trop rapides, on a réalisé que ça ne se pourrait pas avec la pente qu’on avait, c’était trop coincé dans l’espace. En la ramenant au centre, on définissait trois zones de jeu et en plus, on créait une coulisse supplémentaire en dessous ! Les comédiens peuvent y laisser des accessoires, des costumes et même s’y changer. »

DES CHOIX CALCULÉS ET RÉFLÉCHIS

Alors que la pente devient le tremplin vers les fantasmes et le désir, la forêt, elle, incarne le lieu de tous les désirs, de toutes les envies. Si elle est principalement en arrière scène, elle viendra aussi contaminer le devant en s’étendant au sol avec du paillis et des arbres.

Amélie Trépanier : J’ai travaillé à l’envers. Plutôt que de proposer une forêt, je me suis d’abord questionée sur le feuillage. Ça prenait du mouvement, de la lumière. En utilisant une tige souple, le mouvement était là, et en faisant les feuilles en bas de nylon, non seulement on proposait une transparence, mais le rapport avec le spectacle devenait multiple ! Les femmes qui enlèvent leurs bas de nylon dans la forêt, les femmes qui se libèrent, etc. Le bas de nylon dans un spectacle sur le fantasme, le lien est tellement fort ! C’est une matière qui rend une esthétique, oui, mais l’objet en soi est très parlant. Et c’est entièrement de la récupération : on a 150 paires de bas collants dans notre décor ! Finalement, le choix du feuillage au sol plutôt qu’en hauteur permet des arbres sans fin ; ça donne de l’ampleur, c’est majestueux, infini, ça emmène dans l’imaginaire.

APRÈS LA PENTE ET LA FORET… LA CORDE !

Parce que de la corde, IL Y EN A.

Amélie Trépanier : Un jour, Olivier a lancé ça comme ça et tout de suite on s’est dit OUI ! C’est un médium tellement intéressant pour la transparence, le mouvement, etc. Et ça a ouvert plusieurs portes en plus de régler des problèmes ! On avait notre frontière, en transparence, et traversable. Et l’arbre en corde permet du mouvement, de la transparence, mais aussi du rangement, puisqu’une fois montés au plafond ou écrasés au sol, ils s’aplatissent complètement. C’était LA solution !

Maintenant, il fallait trouver la bonne corde. C’est finalement plus de 10 000 pieds linéaires de corde de chanvre qui ont été utilisés, dont plus de la moitié aura été récupérée au Conservatoire d’art dramatique de Québec, dans les entrepôts et autres théâtres. Or, l’aventure ne faisait que commencer.

Amélie Trépanier : La corde de chanvre était entreposée depuis longtemps, elle restait donc frisée quand on la déroulait. On l’a coupée en se laissant un 6 pouces de jeu. On l’a mouillée. Et là on a eu peur ! ÇA RÉTRÉCIT ! Mais une fois sèche, OUF, ça revient. Alors là, on arrive à la petite corde en se disant, ça va faire la même chose, BEN NON. Elle, elle a carrément « foulé » de 1 pied. Il y en a une autre que ça faisait grossir et changer de couleur. Il n’y en a pas une qui réagissait de la même manière ! Bref, il a fallu jouer avec tous ces impondérables-là ! Ça aura été toute une épopée, mais on a réussi !

Une fois les cordes de la bonne longueur et droites, il fallait maintenant les coudre. Ici encore, une surprise attendait la scénographe !

Amélie Trépanier : Au moment de coudre les rideaux de cordes, on a réalisé que de la corde de chanvre, C’EST LOURD ! On a dû faire des tests, voir quelle quantité on était capable de prendre, pour ne pas faire des rideaux que personne ne peut soulever ! Ensuite, on a cousu une corde après l’autre au fil à pêche ; on a passé des jours à ne faire que ça !

UNE SCÉNOGRAPHIE EN LIEN ÉTROIT AVEC LES AUTRES CONCEPTEURS

Nous l’aurons compris, Amélie a évidemment travaillé de pair avec Olivier Arteau, mais aussi très étroitement avec Jean-François Labbé, à la lumière. « Un décor mal éclairé ne parle pas autant ! ». Après plusieurs heures à faire des tests, à essayer des choses, ils ont réalisé que si le décor était beige, une fois éclairé, il prendrait de l’ampleur, du mouvement. Les couleurs ont donc été testées en fonction de leur capacité à boire la lumière et après plusieurs essais de teintures et de couleurs dans l’éclairage, les teintes furent choisies. « C’était ma volonté depuis le début ; d’avoir des médiums avec lesquels on travaille qui se colorent bien et qui peuvent devenir autre chose. »

S’il y a donc quelque chose à retenir du travail d’Amélie Trépanier sur L’éveil du printemps, c’est que rien n’est jamais fixé tant qu’il n’a pas été mis en lien avec tous les autres éléments du spectacle. Son écoute des autres disciplines et son désir qu’au final, toutes les conceptions ne fassent qu’une, n’auront pu qu’ajouter à la force du spectacle. Nous avons ici la preuve que lorsque le texte, la mise en scène, la scénographie, la lumière, les costumes et la lumière se parlent, l’œuvre qui prend forme sous nos yeux devient entière et pleine de sens.