Toutes les deux, dans votre travail de traduction pour Fanny et en mise en scène pour Alexia, c’est la première fois que vous vous attaquez à un classique. Aviez-vous un lien particulier avec ce texte et qu’est-ce qui vous a attiré vers ce projet ?

Alexia Bürger : Fanny et moi aimons toutes les deux les auteurs américains et anglais des années 50 et 60. Arthur Miller et John Osborne notamment, mais aussi Tennessee Williams, sont des auteurs que nous avons beaucoup fréquentés. Je pense qu’ils nous intéressent parce que leurs écritures ont levé le voile sur l’ordre établi de la société à un certain moment. Par contre, nous n’avions pas de lien particulier avec cette pièce de Williams et ni une ni l’autre nous ne l’avons vu sur scène.

Pour ma part, j’avais seulement un souvenir assez fort : dans le cadre d’un exercice à l’École nationale de théâtre, j’avais vu la comédienne Évelyne Gélinas interpréter Laura et ce personnage m’avait beaucoup touché. Quand je suis replongée dans le texte à la suggestion de Claude Poissant, j’ai été tout de suite marquée par sa modernité. C’est une œuvre extrêmement décloisonnée, qui appelle de manière très franche à un non-réalisme dans la forme. D’emblée, on est dans le temps de la mémoire, dans une imprécision. En même temps, ça témoigne de la mentalité américaine dans ces années-là, notamment de la vie des femmes à cette époque. C’est aussi clairement une pièce personnelle, où l’on sent un bouillonnement et la voix de l’auteur de manière distincte.

J’ai été tout de suite attirée, mais aussi apeurée, bien sûr, par l’idée de m’attaquer à un tel chef-d’œuvre ! Tout de suite devant un classique, cette question surgit : faut-il aller fouiller dans les références historiques et les anciennes mises en scène avant de le monter, oui ou non ? Finalement, je me suis gardée de faire trop de recherches et ça m’a donné une certaine liberté. Comme spectatrice, lorsque je vais voir un classique, ce qui vient me chercher, c’est quand on arrive à me transmettre un regard très personnel sur l’œuvre, au-delà du fait que ce soit un classique.

Fanny Britt : C’est vrai qu’à part pour quelques exceptions, il s’agit de ma première traduction d’un classique. Sinon, j’ai traduit surtout du théâtre contemporain et la plupart du temps, j’ai effectué la première traduction en français. Pourtant, je dois dire que le processus n’a pas été vraiment différent. Je suis partie du texte original, sans regarder les autres traductions françaises. Mon unique point de départ est toujours la partition anglaise et mon objectif est de plonger complètement dans la logique de l’auteur. Tous les éléments importants, tout ce qu’il y a savoir, est contenu dans le texte. Donc, il faut juste être à l’affût et écouter attentivement ce qu’il a à nous révéler.

Fanny, on dit que le travail de traduction consiste à faire des choix. Quels types de décisions as-tu dû prendre dans ce cas-ci ?

F.B. : Avec Alexia, on avait la volonté de ne pas trop rester centrée sur le portrait d’une époque. On a voulu élargir la perspective un peu et donc j’ai travaillé dans ce sens-là. Par ailleurs, c’est un texte qui est très beau, lyrique par moment. Je ne voulais pas effacer la musicalité de l’écriture de Williams. En même temps, on ne veut pas non plus que le public demeure trop loin des mots, qu’il ait l’impression d’être devant quelque chose d’historique qui ne le concerne pas. Donc, lorsque je pouvais pencher vers quelque chose de plus simple, de plus épuré, je faisais ce choix-là. C’est effectivement ça, la traduction : une suite de petites décisions. Dans ce cas-ci, une fois qu’elles se sont additionnées, j’ai voulu que ça donne un résultat peut-être un peu plus impressionniste que dans l’original, où les choses sont dites de manière moins soulignée, mais qui reste quand même la voix de Tennessee Williams.

Le synopsis de La ménagerie de verre est tout simple : une mère et ses deux enfants vivent dans un deux-pièces de Saint-Louis aux États-Unis. Le fils, Tom, rêve de quitter son emploi qui l’étouffe. La fille, Laura, timide et handicapée, ne vit que pour sa ménagerie de verre. À la demande de la mère, Tom invite à la maison un collègue de travail, Jim, comme prétendant pour sa sœur. Au-delà de cette prémisse, de quoi parle cette pièce selon vous ?

A.B. : Pour moi, ça raconte plusieurs choses. En premier lieu, du point de vue de Tom, le narrateur, elle parle du tragique d’appartenir à une minorité, d’être profondément différent des siens. C’est la première pièce de Williams et elle est complètement autobiographique. Sur le plan de l’histoire familiale, bien sûr, mais aussi dans le rapport à l’art, à la poésie, qui rend le personnage principal extérieur à son univers familial.

F.B. : Du point de vue de la mère et de la sœur, Laura et Amanda, le texte raconte le drame d’être prisonnière des circonstances, de ce qui nous est arrivé dans la vie. Ça parle d’une époque où les femmes sont profondément assujetties à l’homme. Le mariage y est présenté comme une façon de survivre, autant pour la mère que pour la fille. La mère a été abandonnée et elle a subi une chute sociale et économique. Elle a peur, car dans sa condition fragile, sa fille fait face elle aussi à une vie de déchéance, de pauvreté si elle ne se marie pas.

**On dit de La ménagerie de verre que c’est une « memory play ». Qu’est-ce que ça veut dire et comment t’es-tu servi de cet aspect du texte dans ta mise en scène Alexia ?**

AB : Dès le départ, le personnage principal, Tom, instaure l’idée qu’il nous transporte dans ses souvenirs. Il est le maître de cérémonie, et tout est induit à travers son point de vue. Donc, les sons, les bruits, les odeurs appartiennent à sa mémoire et non à la réalité. Cette perspective du récit m’a d’emblée ouvert des portes. Tout au long du processus, j’ai gardé en tête le fait qu’on est dans sa tête à lui, dans son souvenir, dans sa subjectivité finalement. Thomas est le narrateur, mais la relation entre la mère et la sœur, et ces deux personnages-là sont très forts aussi, très présents. Il faut donc trouver le bon équilibre. Ce que je souhaite, c’est que les conventions théâtrales que nous avons installées avec les corps, les regards, les positions permettent de faire comprendre aux spectateur·ice·s que c’est lui qui fait exister la mère et la sœur. On installe un jeu de perspectives qui permet toutes sortes de niveaux de jeu, et qui ouvre toutes sortes de possibilités sur le plan musical et de l’éclairage aussi.

L’histoire se déroule à Saint-Louis, dans l’état du Missouri, mais la mère est originaire du Mississippi et fait référence à la culture du sud, à ses souvenirs d’un autre temps.
Que faut-il comprendre de cette géographie ?

F.B. : Le Missouri est un état situé plus au nord que le Mississippi. Ce n’est pas un état yankee, ce n’est pas la Nouvelle-Angleterre ou la côte ouest, mais ce n’est pas non plus le sud des États-Unis en tant que tel. Cet état est peut-être comme la rencontre du sud et du nord, un lieu de changement des valeurs anciennes vers la modernité. Pour moi, cette montée vers le nord indique que la famille a quitté l’abondance et la nature verdoyante du sud pour une Amérique plus moderne, plus industrielle, sûrement en quête de travail. Pour Amanda, c’est sans doute un signe d’appauvrissement.

A.B. : Tennessee Williams vient du Mississippi, mais il a habité en Louisiane à la Nouvelle-Orléans et petit, sa famille a déménagé à Saint-Louis. Tout ça, c’est son monde et cette culture du Sud, celle de sa mère. Williams nous parle d’une société américaine qui se transforme tranquillement et qui garde encore beaucoup de traces des conflits raciaux.

Alexia, tu as choisi de travailler avec Fabrice Yvanoff Sénat, un comédien racisé, pour interpréter le rôle de Tom. Pourquoi ?

A.B. : Collectivement, on se dit que c’est important d’inclure une plus grande diversité de personnes dans les spectacles aujourd’hui, pour tous les types de rôles et de fonctions. Donc, pourquoi pas ? Dans ce cas-ci, le fait de travailler avec un acteur noir pour incarner le rôle de Tom ne nous semblait pas problématique ou dangereux d’aucune façon. Au contraire, ce que ça ouvrait comme questions pouvait représenter un écho aux enjeux raciaux qui sous-tendent la pièce. Il est certain que si l’on fait une lecture très réaliste de ce portrait de famille, ça pose problème. Mais nous avons fermement résisté à la volonté de justifier ce choix en adaptant le texte par exemple. Je pars du principe que tout le monde sait qu’on est au théâtre et accepte qu’il va y avoir des conventions nouvelles propres à la pièce et qu’il faut les accepter. Pour moi, ça semblait logique d’avoir un Tom noir au sein d’une famille blanche puisque ce personnage porte d’emblée une différence face à sa famille et à sa société. Tennessee Williams était habité par le sentiment d’être seul face à une majorité. Il venait dans une époque où ils avaient vu une majorité qui se retourne contre une minorité à travers les relations raciales.

Bien sûr, il y a une responsabilité de se questionner sur ce que nos choix disent et quel message nous pouvons envoyer. Nous avons abondamment réfléchi à ça avec Fabrice, ainsi qu’avec toute l’équipe. De plus, j’ai fait appel à la dramaturge Alexandra Pierre, avec qui j’avais déjà travaillé auparavant, afin d’avoir un regard de femme noire sur cette question, mais aussi pour qu’elle m’accompagne plus largement dans mon processus.

À propos de l'auteur·e

Diplômée du programme d’Études françaises de l’Université de Montréal en 2007, Sara Fauteux travaille dans le milieu du théâtre montréalais depuis plus d’une dizaine d’années. En plus d’agir comme conseillère dramaturgique auprès de plusieurs auteur·ice·s et metteur·e·s en scène, elle collabore avec différents théâtres, festivals et organismes culturels comme médiatrice, animatrice et rédactrice (Joe Jack et John, FTA, Théâtre de Quat’ Sous, Théâtre Denise-Pelletier, etc.). On a pu lire ses critiques théâtrales et ses textes de réflexions dans la revue Liberté, la revue Jeu et dans le journal Le Devoir.

Depuis 2020, elle enseigne la dramaturgie internationale aux étudiant·e·s du programme d’Écriture dramatique de l’École nationale de théâtre du Canada.

Toutes les deux, dans votre travail de traduction pour Fanny et en mise en scène pour Alexia, c’est la première fois que vous vous attaquez à un classique. Aviez-vous un lien particulier avec ce texte et qu’est-ce qui vous a attiré vers ce projet ?

Fanny, on dit que le travail de traduction consiste à faire des choix. Quels types de décisions as-tu dû prendre dans ce cas-ci ?

On dit de La ménagerie de verre que c’est une « memory play ». Qu’est-ce que ça veut dire et comment t’es-tu servi de cet aspect du texte dans ta mise en scène Alexia ?

L’histoire se déroule à Saint-Louis, dans l’état du Missouri, mais la mère est originaire du Mississippi et fait référence à la culture du sud, à ses souvenirs d’un autre temps. Que faut-il comprendre de cette géographie ?

Alexia, tu as choisi de travailler avec Fabrice Yvanoff Sénat, un comédien racisé, pour interpréter le rôle de Tom. Pourquoi ?

**On dit de La ménagerie de verre que c’est une « memory play ». Qu’est-ce que ça veut dire et comment t’es-tu servi de cet aspect du texte dans ta mise en scène Alexia ?**

L’histoire se déroule à Saint-Louis, dans l’état du Missouri, mais la mère est originaire du Mississippi et fait référence à la culture du sud, à ses souvenirs d’un autre temps.
Que faut-il comprendre de cette géographie ?